Crítica | Cara-de-Barro - Transforma o terror corporal em espetáculo grotesco, mas hesita entre o drama de uma vítima e a trajetória de um monstro.

Divulgação | Warner Bros. Pictures

• Por Alisson Santos 

O que acontece quando um homem perde justamente aquilo que acredita ser responsável por sua existência? Em Cara-de-Barro, a resposta passa pela desfiguração, pela obsessão com a própria imagem e pela tentativa desesperada de recuperar uma identidade que parecia indissociável de sua aparência. Em vez de recorrer à fórmula convencional dos filmes de super-heróis, a DC aposta no terror corporal para apresentar a origem de um de seus antagonistas mais conhecidos da mitologia do Batman. A proposta é promissora e encontra seus melhores momentos quando transforma o corpo humano em algo imprevisível, repulsivo e ameaçador. O problema é que, apesar de toda a violência gráfica, o longa parece hesitar justamente quando deveria mergulhar de cabeça naquilo que torna seu protagonista assustador.

A trama acompanha Matt Hagen, um ator em ascensão cuja carreira é interrompida brutalmente quando um confronto com o submundo criminoso de Gotham o deixa com o rosto desfigurado. Privado de sua aparência, abandonado por pessoas que antes dependiam de seu sucesso e frustrado por um sistema incapaz de lhe oferecer justiça, ele encontra uma possível solução em um tratamento experimental desenvolvido pela cientista Caitlyn Corr (Naomi Ackie). A intervenção devolve a Hagen a possibilidade de reconstruir sua vida, mas também desencadeia uma transformação que ultrapassa qualquer expectativa médica. O que começa como uma tentativa de recuperar o próprio rosto gradualmente se converte em uma jornada de vingança, na qual a fronteira entre a recuperação e a monstruosidade se torna cada vez mais difícil de reconhecer.

A escolha de colocar um ator no centro da narrativa oferece ao filme uma camada temática interessante. Hagen não perde apenas sua aparência, mas também o instrumento que lhe permitiu conquistar espaço, reconhecimento e poder. Sua profissão depende da capacidade de representar outras pessoas, assumir diferentes identidades e convencer o público de que aquilo que vê é real. Quando seu rosto é destruído, essa habilidade deixa de ser uma escolha artística e passa a se tornar uma questão de sobrevivência. A tragédia do personagem nasce justamente dessa contradição; alguém que construiu a própria existência por meio da imagem precisa descobrir quem é quando já não consegue se reconhecer diante do espelho.

É nesse terreno que Cara-de-Barro encontra sua ideia mais instigante. A transformação física de Hagen não funciona apenas como uma origem fantástica para seus poderes, mas como uma representação literal de sua deterioração emocional. Seu corpo passa a expressar sentimentos que ele não consegue controlar, enquanto a capacidade de assumir outras aparências coloca em dúvida a própria noção de individualidade. Afinal, se um rosto pode ser substituído, manipulado ou inteiramente reconstruído, o que resta da pessoa que existia por trás dele? O filme se aproxima de um horror psicológico particularmente fértil ao sugerir que a perda da identidade pode ser muito mais assustadora do que a deformação física.

O trabalho de James Watkins, conhecido por explorar situações de violência e desconforto, é fundamental para estabelecer essa atmosfera. O diretor compreende que o horror não precisa depender exclusivamente de sustos ou de criaturas escondidas nas sombras. Em Cara-de-Barro, a ameaça está na carne, nos movimentos involuntários e na possibilidade de o próprio corpo deixar de obedecer às regras que conhecemos. As sequências de mutilação e reconstrução facial estão entre os momentos mais impactantes da produção, sobretudo porque a transformação não é tratada como uma simples demonstração de efeitos visuais. Existe uma dimensão quase íntima no desconforto provocado pelas imagens, como se a câmera obrigasse o espectador a testemunhar a destruição de algo que deveria permanecer inviolável. A combinação de efeitos práticos, maquiagem e transformações digitais reforça a fisicalidade desse horror.

É justamente nesse aspecto que o filme encontra sua identidade mais forte. Há uma tradição no cinema de terror de usar a transformação física como metáfora para a perda de controle, e a produção da DC encontra nesse recurso uma maneira eficaz de abordar a fragilidade da aparência. A diferença é que, para Hagen, recuperar o rosto significa também recuperar o lugar que ocupava no mundo. Sua obsessão não nasce apenas da vaidade, mas de uma sociedade que parece incapaz de enxergar qualquer valor nele quando sua imagem deixa de corresponder às expectativas. O filme acerta ao relacionar a indústria do entretenimento a essa lógica cruel, na qual o indivíduo pode ser celebrado enquanto oferece algo comercialmente desejável e descartado assim que deixa de ser útil.

Divulgação | Warner Bros. Pictures

Tom Rhys Harries sustenta essa contradição com uma atuação que explora tanto o carisma inicial do personagem quanto sua crescente instabilidade. O ator precisa convencer o público de que Hagen é alguém cuja vida foi injustamente destruída, sem apagar os sinais de que sua dor pode se converter em algo perigoso. Sua presença ajuda a manter o interesse mesmo quando o roteiro se aproxima de caminhos mais previsíveis. Naomi Ackie, por sua vez, acrescenta complexidade à cientista Caitlyn Corr, cuja intervenção no destino do protagonista levanta questões éticas sobre os limites da ambição científica e a responsabilidade de quem acredita poder controlar forças que ainda não compreende completamente.

Entretanto, a relação entre os personagens nem sempre recebe o desenvolvimento necessário para alcançar a intensidade sugerida pela premissa. O componente romântico e o conflito moral envolvendo o tratamento experimental poderiam aprofundar a tragédia de Hagen, mas a narrativa frequentemente precisa avançar em direção à próxima etapa de sua transformação. Com isso, algumas relações parecem funcionar mais como mecanismos para movimentar a trama do que como vínculos capazes de sustentar o peso emocional do desfecho.

O roteiro de Mike Flanagan e Hossein Amini também encontra dificuldades ao construir a descida de Hagen à vilania. A injustiça sofrida pelo protagonista é tão evidente que sua revolta se torna compreensível, especialmente diante de um ambiente marcado por corrupção, oportunismo e abandono. O problema é que essa compreensão acaba enfraquecendo parte do horror moral da história. Quando a vingança começa a ocupar o centro da narrativa, o espectador é colocado diante de uma questão interessante; em que momento a vítima deixa de apenas reagir à crueldade alheia e passa a reproduzi-la?

A pergunta, por si só, poderia sustentar um estudo perturbador sobre ressentimento e desumanização. Contudo, Cara-de-Barro nem sempre explora essa transição com a contundência necessária. Em determinados momentos, Hagen parece menos um futuro supervilão do que um homem traumatizado que finalmente encontrou meios de enfrentar aqueles que o destruíram. Essa proximidade emocional não é necessariamente um defeito, mas cria uma dificuldade para o filme, que precisa transformar a empatia inicial em desconforto genuíno diante das escolhas do personagem. A tragédia de alguém que perde a humanidade seria mais poderosa se a narrativa não dependesse tanto das circunstâncias que justificam sua revolta.

Essa é a principal limitação da produção. Ao oferecer explicações tão claras para o comportamento de Hagen, o roteiro corre o risco de suavizar justamente aquilo que deveria tornar sua transformação assustadora. A monstruosidade física é evidente, mas a monstruosidade moral permanece menos definida. O longa parece mais interessado em mostrar como o mundo produziu aquele homem do que em investigar plenamente o que acontece quando ele começa a aceitar a própria capacidade de destruir outras pessoas.

Gotham, por sua vez, funciona como cenário para uma história de corrupção e decadência, embora sua presença precise ser suficientemente marcante para que a ausência do Batman não pareça uma lacuna. A decisão de manter o Cavaleiro das Trevas fora da narrativa é acertada, pois permite que Hagen ocupe o centro da tela sem ser reduzido a um obstáculo na trajetória de outro personagem. Além disso, a proposta independente evita que a produção se transforme em uma sucessão de referências e participações especiais. Ainda assim, a mitologia da cidade poderia ser explorada de maneira mais expressiva, tornando Gotham uma força dramática tão inquietante quanto o próprio protagonista. A ausência do Batman não é o problema; o desafio é fazer com que a cidade pareça completa sem depender de sua figura mais famosa.

Cara-de-Barro estreia amanhã nos cinemas.

Avaliação - 7/10